Filmes Archives - Página 10 de 14

O Grande Hotel Budapeste: Conto de fadas distópico, teto estético

18 de novembro de 2023 Por maria

O Grande Hotel Budapeste é o oitavo filme escrito e dirigido pelo diretor americano Wes Anderson. O filme conta a lenda de um famoso zelador de um grande hotel europeu durante a guerra e a história de sua amizade com um jovem funcionário que mais tarde se torna seu protegido de maior confiança. A lenda do zelador liga um ladrão a uma pintura renascentista, a batalha de uma família pela riqueza e uma guerra repentina que muda toda a Europa. O filme ganhou os prêmios de Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte no 87º Oscar. Quando se trata do software YouCine, ele é a plataforma definitiva para você assistir a uma grande variedade de filmes e programas de TV. Ele oferece recomendações personalizadas, downloads off-line e muito mais para facilitar a localização e a exibição do seu conteúdo favorito. Além disso, o YouCine está disponível em várias plataformas para proporcionar a você a melhor experiência de entretenimento. Registre-se agora e descubra mais! Programação inteligente de câmera O filme O Grande Hotel Budapeste usa lentes de curta distância focal várias vezes para capturar espaços como o Grande Hotel Budapeste e a mansão da Condessa. As lentes de curta distância focal são caracterizadas por uma maior profundidade de campo em termos de imagem e são frequentemente usadas para mostrar um campo de visão mais amplo. Portanto, um dos objetivos do uso de lentes de foco curto no filme é moldar melhor o momento extraordinário do espaço da imagem. Além do uso de lentes de distância focal curta, o filme também usa muitas lentes panorâmicas para apresentar pessoas, coisas e objetos. Por exemplo, quando o filme conta a história da década de 1930, a primeira aparição de Gustave e sua caminhada em direção à casa a partir da varanda do hotel é mostrada pelo uso de uma tomada panorâmica. Além disso, depois de se despedir da Condessa em frente ao hotel, Gustave conhece o jovem porteiro, Wu, e os dois se movem da porta do hotel usando uma tomada panorâmica, que entrelaça os personagens e o cenário do filme em ação. O público pode ver mais e mais do cenário por meio dessas tomadas, seguindo os movimentos dos personagens. Os movimentos dos personagens nesse tipo de movimento de câmera são muito suaves e coerentes. Dessa forma, a imagem do gerente do hotel, que é confiante e imperturbável, e a do carregador, que é novo na cidade e é cauteloso, são apresentadas de forma vívida e simultânea. É fácil perceber que o movimento da câmera desempenha um papel muito importante na caracterização. A estrutura narrativa única de O Grande Hotel Budapeste O Grande Hotel Budapeste também é único em sua estrutura narrativa em ziguezague. Há quatro camadas no filme, e essa estrutura narrativa em camadas é o design mais exclusivo de O Grande Hotel Budapeste. No início do filme, uma garota entra no antigo cemitério de Ruiz com um livro na mão e vira o livro para a contracapa para revelar a foto do autor, que é a primeira camada da estrutura narrativa. Imediatamente após isso, a cena muda para 1985, e o escritor idoso senta-se atrás de uma mesa, de frente para a câmera, contando e relembrando a história de sua juventude, que é a segunda camada da estrutura narrativa. O segundo nível da estrutura narrativa é o jovem escritor ouvindo o idoso no Grand Hotel em Budapeste, em 1968. Em seguida, chega-se a 1932, e a história da década de 1930 é a parte da história que o diretor quer enfocar para o público, que é a quarta e última camada da estrutura narrativa. Quando a história da década de 1930 chega ao fim, o jovem Sr. e Sra. No e Gustave estão em um trem viajando para Lutz, o fim da vida de Gustave. A cena volta para os anos 1960, quando o jovem escritor se senta no restaurante de um hotel e conversa com o Sr. e a Sra. No. Ao final da conversa, o jovem escritor se senta em um sofá e a cena volta para os anos 1980. Após a conversa, o jovem escritor se senta no sofá e a cena volta para a década de 1980, quando o escritor mais velho se senta no sofá e o antigo cemitério de Ruiz, onde a garota se senta em um banco e lê um livro, aparece no início do filme. Essa estrutura narrativa como um todo parece ser como a palavra “back”, que não está apenas puxando o casulo para dentro, mas também restaurando e reaparecendo do lado de fora. Essa estrutura narrativa aninhada não é apenas harmoniosa, mas também organizada e extremamente bonita. Composição equilibrada e simétrica O uso de composições equilibradas e simétricas por Wes Anderson é o mais representativo de seus filmes. Entre esses princípios de composição, o conceito de harmonia e equilíbrio não é apenas o mais básico, mas também o mais importante. O uso desse princípio em O Grande Hotel Budapeste, de Wes Anderson, atinge seu auge, formando a beleza equilibrada única das imagens do diretor. No início do filme, há composições simétricas, como a aparência do antigo cemitério de Ruiz, a escultura do memorial do escritor na neve, a menina na neve com um livro na mão, o escritor idoso contando uma história etc., e depois que o escritor entra em suas memórias, o Grande Hotel Budapeste aparece na recepção do hotel, nos banheiros, na sala de jantar, na escada etc. …… Essas composições equilibradas aparecem intermitentemente até o final do filme. Visualmente, essas composições simétricas podem fazer com que as pessoas se sintam muito arrumadas e coordenadas, e essas composições arrumadas e coordenadas aparecem em grande número nesse filme, o que faz com que o filme inteiro dê ao público um senso de estética harmonioso e equilibrado. Além de um grande número de composições de imagem equilibradas, há também um design exclusivo no filme. “O Grande Hotel Budapeste” lembra o público por meio da legenda no início do filme: “Please … Ler mais

“Trem-bala” quebra a fórmula típica de filme de ação

16 de novembro de 2023 Por maria

O filme “Trem-bala” é uma adaptação do romance “Ladybird” (versão chinesa de “Hayate”) do imaginativo escritor japonês Kotaro Isaka. A obra original é um romance de mistério em ritmo acelerado com um forte senso visual. O filme é baseado na obra original., se desenrola quando o assassino “Joaninha” realiza a tarefa de roubar uma caixa do trem. Ao se envolver acidentalmente em uma série de vinganças, e após uma batalha de inteligência e coragem, ele não apenas descobre a verdade do assunto, mas também aprende sobre si mesmo. Destino e sorte têm uma nova definição. O romance explora mais questões sociais, enquanto o filme enfatiza constantemente o pensamento ampliado sobre destino e sorte, que é filosófico bastante oriental. O onipresente humor negro do trem-bala Baixe o aplicativo Youcine para assistir filmes mais interessantes. Na verdade, a apresentação da obra original é bastante estilo anime e é bastante difícil adaptá-la à ação ao vivo. Com base nisso, “Bullet Train” usa uma estética de publicidade comercial altamente saturada, um estilo de expressão semelhante a uma animação e Enredo bizarro de reversão e reversão no estilo Quentin. O design constrói o novo humor negro do filme. Por exemplo, os irmãos assassinos Mikan e Lemon passaram cinco minutos discutindo se mataram 16 ou 17 pessoas na Bolívia. À medida que os dois homens narravam, a tela começou a retroceder e intercalar memórias. Enquanto a reprodução em câmera lenta mostrava ao público a cena do assassinato onde os dois usaram vários métodos para matar o alvo com um só golpe; enquanto quebravam a quarta parede, deixavam o público. duas pessoas estão contando para o público na imagem: “Esta é a primeira pessoa a morrer.” A imagem usa animação para tornar o assassinato mais engraçado. Com a trilha sonora descontraída e exagerada, não pode deixar de fazer as pessoas rirem. Outro exemplo é a conversa entre o protagonista masculino “Joaninha” e o assassino “Lemon” em um carro silencioso. Ladybug disse para Lemon: “Ei, irmão, me escute, tem uma arma apontada para você embaixo da mesa.” A câmera virou para Lemon que não se importou e disse calmamente: “Não consigo ouvir, isso é um carro silencioso.” Era para ser uma situação tensa de matança mútua, mas apenas duas frases deixaram a trama cheia de alegria. Mais tarde, quando os dois brigavam, o passageiro do banco da frente frequentemente se virava para lembrá-los de que se tratava de um “carro silencioso”, o que facilmente aumentava todo o nível de alegria, fazendo com que o público inexplicavelmente se afastasse da trama tensa. Ria conscientemente. Em termos de personagens, quase todos têm sua própria história e história, e o filme apresenta isso por meio de flashbacks narrativos em ritmo acelerado. O personagem “Lemon” em Gemini Man tem um toque muito cômico. Ele gosta muito de “Thomas the Tank Engine”. Ele não apenas cita frequentemente linhas filosóficas dele, mas também carrega adesivos de personagens com ele para usar características do personagem para dar traços de personalidade a estranhos que ele conhece.Definição, e o adesivo “Disso” neste filme também se tornou a chave para ele ajudar seu parceiro Citrus a decifrar o verdadeiro culpado nos bastidores. Nesta base As reviravoltas nos filmes do Trem-bala são sempre apresentadas de uma forma absurda, o que é engraçado e hilário. Além dos personagens e do enredo, há também muitos elementos inesperados de desenho animado no filme. Desenhos de toupeiras, Thomas the Tank Engine, cobras de árvores africanas, etc. Os elementos de comédia humorística e bizarra incorporados ao filme incluem o pensamento inovador da concepção do filme, as paródias e cenários da obra original japonesa e muitos elementos bidimensionais japoneses. Juntos, eles constituem o tom do filme. Filosofia Oriental Reservada Talvez baseado na adaptação da obra original japonesa, “Trem-bala” capta e enfatiza constantemente os conceitos e significados de destino e sorte, e há muitas metáforas nas falas dos personagens. O personagem que deu origem a tudo na história – a Morte Branca: “Nada na vida acontece por acaso.” Ele não entrou no carro por azar. Ele escapou do acidente de carro por sorte, mas perdeu a esposa porque de azar. Isto está exatamente de acordo com o encanto oriental único do valor de “boa sorte e infortúnio dependem um do outro”. É difícil para o público imaginar que a Morte Branca enviou um assassino para matar seu filho porque seu filho causou a morte de sua esposa. Mas a filha com quem ele não se importava tornou-se o fator chave que acabou com sua vida. Este é o destino. Ele até percebeu que se você não controlar seu destino, o destino controlará você. Depois que a história terminou, Ladybug, que estava envolta em “má sorte”, suspirou: “Pode depender de como olhamos para isso. Por exemplo, talvez não haja boa sorte ou sorte, talvez sejamos todos apenas agentes do destino … Que tal saber que isso é uma coisa ruim?… Veja as coisas de uma perspectiva diferente.” Além da energia filosófica contida nas falas, independente do conteúdo da história, do ponto de partida ao fim de um trem em alta velocidade, sempre tem gente entrando e saindo do trem, sempre tem gente chegando no final , e sempre há novos números de trem abrindo… Isso por si só tem características próprias O significado filosófico dos loops infinitos. Ao longo de todo o filme, “Trem-Bala” é um filme de ação atípico e com um estilo muito forte, absurdo, desenfreado e interessante. Diferente dos filmes narrativos comuns de Hollywood ou dos filmes de ação e suspense, integra uma variedade de elementos e leva adequadamente o conceito criativo e o entretenimento ao extremo dentro de um espaço limitado. Demonstrou grande sinceridade para o público e tem visibilidade.

Quiz Lady: Sisters of Discontent

13 de novembro de 2023 Por maria

Quando assisti a Quiz Lady pela primeira vez, sabia que o filme seria muito engraçado ao ver a dupla Sandra Oh e Okafina, pois ambas são atrizes cômicas fortes, e vê-las juntas no mesmo quadro dessa vez realmente fez com que a química de todo o filme fosse boa o suficiente! As interações são engraçadas e naturais, mas podem ser genuinamente tocantes e afetuosas. Honestamente. O enredo de “Quiz Lady” é muito simples e também é uma história piegas em que você pode adivinhar o enredo, mas o sucesso desse filme está nas risadas e na combinação das duas protagonistas femininas, o que certamente repercutirá em qualquer pessoa que tenha uma irmã mais velha ou mais nova. É um caso de brigas desde a infância até a idade adulta e de desprezo mútuo, mas, quando confrontadas com uma situação difícil, a irmã mais velha sempre se torna a heroína da irmã mais nova! Quiz Lady explora de forma inteligente as nuances do “trauma familiar” de uma maneira vibrante e sincera e, apesar da história pesada, a Rainha do Senso Comum permite que as duas heroínas digiram tudo de forma cômica, resgatando seus corações e terminando em um abraço caloroso como esse. No geral, Quiz Lady traz essa vibração alegre para o público muito bem, as risadas são bem enterradas, relativamente poucas risadas que o público asiático não consegue captar, a maioria das risadas é compreensível e superficial, e também tem o significado de abrir caminho para as emoções de ambas. Se você se interessar pelo filme, é bom assisti-lo e, embora o espectador não obtenha grandes percepções filosóficas do enredo, vale a pena assistir a alguns dos vínculos e irmandades mais diretos, e então prepare-se para rir do começo ao fim! O Quiz Lady está disponível no Youcine. Baixe a plataforma de streaming do Youcine. Quiz Lady: uma exploração espirituosa do trauma da infância. Quiz Lady é simples e não vai muito longe em seu enredo, mas há também o conceito central principal de “trauma de infância”, que entrelaça perfeitamente um enredo cômico com “mágoa” e leva o espectador através das complexidades de como os irmãos podem superar o trauma sem culpar uns aos outros por isso. Em “Quiz Lady”, as personalidades de Annie e Jenny são muito diferentes, fazendo com que o público saiba, desde o início do programa, que as duas estão completamente em desacordo com os valores e estilos de vida uma da outra. A história de fundo de “Quiz Lady” sobre “trauma de infância” é em flashback, não saberemos a extensão total do grande golpe da infância para as duas até a metade do episódio. Pela vida aparentemente louca e normal das duas, não saberemos imediatamente que elas têm um grande buraco no coração que precisa ser consertado, e a forma de “não crescer de jeito nenhum” retrata que as duas sempre estiveram presas ao passado e não conseguem sair dele. Em vez disso, a abordagem “not growing up at all” é usada para retratar o fenômeno de esses dois estarem presos ao passado, especialmente quando começam a discutir e a criticar um ao outro quando se encontram, e o tema da conversa sempre permanece no passado, a parte mais desagradável da infância deles. O diretor escreve que cada uma delas usa maneiras diferentes para evitar o trauma, como Annie, que faz o possível para se tornar “invisível”, não se permitindo cometer erros e perder a face na vida, e Jenny, que busca os holofotes com o mesmo caráter exuberante para encobrir sua própria vida insatisfeita e escapar da disfuncionalidade da família. Portanto, a fuga e a ausência da mãe foram o ponto de partida do trauma, mas também uma oportunidade para as duas consertarem seus traumas. Assistir a Quiz Lady é um filme que sempre me faz sentir que a irmã mais velha sempre será a segunda mãe da família, e adoro como The Queen of Common Sense aborda o trauma da infância em um tom incrivelmente honesto, realista e simpático, com a autoconfiança insegura de Anne e o fato de Jenny não ter medo de lutar pelo que quer sem medo de perder a dignidade. A Quiz Lady projetou a viagem de carro pela Filadélfia para se relacionar sutilmente com os laços familiares. O diretor se esforça ao máximo para não sobrecarregar a história de traumas de infância, de modo que as loucuras que acontecem com as meninas ao longo do caminho e a interação entre elas quando começam a “contar a verdade” gradualmente abrem caminho para a reconciliação e o perdão. Quiz Lady: Independentemente de ganharmos ou perdermos, enfrentamos o problema juntos. A narrativa de Quiz Lady é muito leve, graças às habilidades de atuação de Okafina e Sandra Oh. Gosto muito do design da história de Quiz Lady, que permite que as duas irmãs se vejam com personalidades muito diferentes. Não sei se alguém que tem uma irmã pode se identificar com o amor invisível entre duas irmãs que brigam desde a infância, que se olham com desagrado e que ainda assim colocam uma à outra no coração quando precisam de ajuda. Não sei se alguém que tem irmãs pode se identificar com esse tipo de amor intangível. É como o amor de Jenny por Annie, a expressão de desamparo da conservadora Annie toda vez que ela vê as travessuras selvagens de Jenny e quer revirar os olhos, a expressão de desamparo de Annie é realmente hilária, a expressão de Okafina sempre trará seu próprio senso de comédia, e aquela voz um pouco esfumaçada, realmente combina com a irmã mais nova que está revirando os olhos o tempo todo. E Sandra Oh está claramente se divertindo muito em Quiz Lady, um filme em que Sandra Oh realmente usa “membros exagerados” para acrescentar muitos pontos à comédia espirituosa! Com o trauma que Jenny sentiu ao crescer e deixar Annie ainda jovem, Sandra Oh sutilmente injeta alguma complexidade na personagem de Jenny em termos da “mágoa que sentia por Annie” e do “amor … Ler mais

Interstellar: O tempo não pode voltar atrás

12 de novembro de 2023 Por maria

O filme Interstellar, de Nolan, de 2014, foi uma verdadeira sensação mundial de ficção científica pesada. A diferença entre Interstellar e Rescue from Mars e Space Travellers, que desde então se esforçaram para imitar o filme, é muito evidente, apesar da sensação de isolamento cósmico criada pelo enredo tenso e pelo cenário especial. O Youcine é um aplicativo que redefiniu a experiência de ir ao cinema, oferecendo opções mais interativas, sociais e personalizadas para os amantes de filmes. Seja você um novato em cinema ou um fã experiente, o Youcine é um companheiro indispensável que o leva ao incrível mundo do cinema. Já foi dito que Interstellar não se qualifica como um filme de ficção científica puro e duro. O que torna um filme espacial especial é sua capacidade de romper com as perspectivas éticas e, em vez disso, recapturar a sociedade humana a partir de dimensões transcendentes (cosmologia, religião). O esforço de Nolan, por outro lado, está mais próximo de elevar os valores humanos com um ponto cego fora da física. O que torna Interstellar diferente (e melhor) do que filmes posteriores, como Rescue from Mars e The Space Traveller, e até mesmo o filme anterior do próprio Nolan, Fragments of a Memory, é que, enquanto todos os filmes espaciais do gênero se esforçam para apresentar uma ficção científica pesada e criar uma sensação de solidão no espaço, Nolan sobrecarregou sua história com preocupações humanísticas – – No filme, Cooper (Cooper) e sua esposa, Cooper (Cooper), são vistos sob uma luz diferente. -O vínculo de pai e filha entre Cooper (Cooper, Matthew McConaughey) e Murph (Murph, Jessica Chastain) está presente em quase todo o filme Interstellar, além de ser um importante fio emocional que conduz toda a narrativa. Por um lado, há uma aventura espacial e, por outro, há um drama emocional completo. Não importa o quão difícil seja a ficção científica: buracos de minhoca, buracos negros, aventuras espaciais, espaço multidimensional …… o núcleo ainda é o afeto e o amor. A ciência e a teoria estão de fato a serviço dos sentimentos, com uma casca muito dura envolta nas emoções mais suaves. Também por isso, não será um filme de ficção científica sério e grandioso como 2001 Uma Odisseia no Espaço, mas com sentimentos mais plenos. A parte de Interstellar que mais me toca é a profunda solidão que os seres humanos sentem quando estão flutuando no espaço. O mundo silencioso, os pensamentos fragmentados da família e, especialmente, a despedida de Cooper de sua filha e as cenas em que ele chora de dor enquanto assiste aos vídeos dela são quase de encher os olhos de lágrimas. Amor, através do tempo e do espaço Quando Cooper voa para o buraco negro e cai na quinta dimensão, o filme inteiro de Interstellar também chega ao seu clímax. No espaço quadridimensional, Cooper finalmente entende que o que o trouxe até aqui não foram os chamados “seres quadridimensionais” desconhecidos, mas exatamente eles mesmos. Quando o Robô TARS pergunta: “Tentei de tudo, mas não consigo tirar os dados do buraco negro, então como você pode dizer ao Murph? Cooper responde com certeza: “Tudo isso está no quarto de uma garotinha, a todo momento, extremamente complexo, eles têm quase todo o tempo e o espaço, mas não estão ligados, não conseguem encontrar um lugar específico no tempo, não conseguem se comunicar, é por isso que estou aqui …… “ “Vou encontrar uma maneira de contar ao Murph, assim como encontrei este momento.” Talvez até mesmo um robô superinteligente como Tas ainda não conseguisse entender o que Cooper estava sentindo naquele momento, Tas ouviu em silêncio a expressão quase excitada e demente de Cooper e perguntou: “Como? Cooper”. “Amor! Tas, é amor! Como Brand disse, a troca entre Murphy e eu é quantificável, e essa é a chave.” As únicas coisas que podem existir em um buraco negro são a gravidade e o tempo, mas Cooper entende no último momento (e também permite que o público entenda) que há outra substância igualmente capaz de existir nessa escuridão infinita – que é o amor, e seu amor por Murphy e seu apego a Murphy transcendem o tempo e o espaço. E esse efeito de superdistância, nenhuma teoria da mecânica quântica e da relatividade pode explicar, na distância de quase dezenas de milhões de anos-luz entre os dois lugares, dois corações estão firmemente conectados um ao outro, um ao outro, um ao outro, tanto que apenas o ponteiro dos segundos do relógio treme levemente, Murphy ainda consegue entender – esse é o pai dele se comunicando com ela. E é o amor de Cooper por sua filha que impulsiona esse ciclo de causa e efeito, ecoando a história do começo ao fim; e, em uma reviravolta, Nolan e Matthew (Cooper), que também são pais, indo e voltando entre a luz e a sombra, usam essa história para direcionar e representar seus sentimentos pelos filhos e pela família –Esse “amor” também é a maior carta emocional do filme, sublimando todo o filme e, ao mesmo tempo, dando ao público uma resposta inteligente e razoável para suas dúvidas sobre o universo, o tempo e o espaço. Parece muito apropriado tomar emprestado o final da Divina Comédia de Dante, Paraíso: “Mas, ainda assim, a vontade continua a rolar, como uma roda em movimento regular, pelo amor impelido, que move o sol no céu e todas as estrelas. O amor gira a vontade, como uma roda em movimento regular, pelo amor impelido, que move o sol no céu e todas as estrelas. É o amor que faz girar o sol e as estrelas). A emoção é a maior fraqueza do homem e sua maior força Se o amor de Cooper por Murphy é grande e divino, então o amor próprio do Professor Mann por si mesmo também não deve ser menosprezado, pois ambos surgem de nossos próprios sentimentos, e os sentimentos são a maior fraqueza do homem e, ao mesmo tempo, sua maior força. O professor Mann (Matt Damon), … Ler mais

Free Guy: Quando os personagens de jogos se tornam IAs emocionais

9 de novembro de 2023 Por maria

Free Guy conta a história de Guy, um funcionário de banco que vive uma vida rotineira, se apaixona pela heroína Mimi e tem uma série de comportamentos anormais, o que o leva a descobrir que ele é apenas um NPC no mundo dos jogos virtuais. “No final, ele decide se salvar de uma crise no jogo e de uma crise na realidade. O Youcine é uma atraente plataforma de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla e diversificada gama de conteúdo de filmes e televisão. Não importa quais sejam suas preferências em termos de filmes, programas de TV, esportes, documentários ou programas infantis, o Youcine tem algo para você! Não é difícil entender como Free Guy conquistou tanto o boca a boca quanto a bilheteria. Por um lado, a exploração contínua dos ovos do filme por parte do público aumentou a bilheteria; por outro lado, isso se deve à integridade e à autocontenção da apresentação do espetáculo do filme, à escrita empática e que acalma a ansiedade, bem como à rara apresentação de uma visão de mundo e à expressão da consciência individual na narrativa de alto conceito. Free Guy:De protagonista a NPC Em uma época em que todos se concentram no protagonista, este filme se concentra no NPC. A estrutura narrativa de “Free Guy” ainda é “o pequeno homem da classe baixa que se transforma em herói”, nem mesmo “pequeno” o suficiente para ser considerado uma pessoa comum, apenas um NPC sem vida e sem vontade. O filme constrói dois tempos e espaços: o jogo Free City e a vida real. A crise na realidade precisa ser resolvida no mundo virtual, e as emoções do mundo virtual ganharão vida na realidade. A edição paralela das duas linhas conecta todos os eventos e emoções. O filme Free Guy adota o cenário clássico de conflitos internos e externos: conflito externo, ou seja, o conflito de interesses entre o capitalista de coração negro e o criador original do jogo; e conflito interno, ou seja, a contradição interna sobre a autenticidade da identidade e o valor da existência de uma pessoa depois que ela percebe que é um NPC. Embora a transformação da identidade de Guy proporcione um forte conflito dramático, o filme não se aprofunda no tema da perda de identidade. O público também tolera e aceita a situação incômoda e inofensiva de Guy. Ele não é o voyeur vivendo uma mentira no Truman’s World, nem precisa carregar o desejo de matar e fazer sexo em Westworld. guy também percebe sua própria reivindicação: evoluir a partir do código de programação e ganhar o direito de viver livremente. Para onde vão as pessoas e a IA a partir de agora? Free Guy é um filme com os conceitos emergentes de IA, jogos interativos e meta-universos, mas também com valores universais como amizade, amor e liberdade. Embora haja muitos elementos, eles são concentrados e condensados. Os temas aninhados de “o despertar da consciência pessoal” e “o conflito entre interesses e verdade, bondade e beleza” no filme têm uma cobertura considerável do público e das possibilidades narrativas. Esses temas aninhados têm considerável alcance de público e possibilidades narrativas. Eles não apenas atendem às expectativas do público em relação aos heróis, mas também confortam o tédio e a ansiedade das pessoas contemporâneas diante da realidade do filme. Alguns críticos argumentaram que o fato de Guy se apaixonar e desistir no final apresenta um paradoxo paradoxal e que o fato de a heroína não ficar com Guy é uma evasão e um recuo do assunto. Esses pontos de vista podem ter ignorado o fato de que Guy já se foi há muito tempo, desde o primeiro nível. Ser acionado pelo amor é o ponto de partida de seu despertar e não deve mais ser o ponto final do comportamento do personagem. Se ser injetado com o código do amor é completar a tarefa de ficar com a heroína pelo resto da vida dela, então Guy não é apenas outra forma de homem-ferramenta do cérebro do amor? Em outras palavras, se uma pessoa sabe que sua paixão é a sombra da projeção de outra pessoa, ela ainda estará determinada a realizar essa “vontade e amor de outra pessoa”? E se Guy souber o motivo de seu despertar, confessá-lo abertamente e sair dos limites de seu ambiente amoroso para a cidade mais ampla da liberdade, isso não é um despertar mais avançado e completo? É claro que essa é apenas uma leitura possível. Em termos de outro tipo de drama, Guy reconhece a fronteira entre o virtual e o real e completa a transferência do ponto de vista e dos personagens principais por meio de uma confissão que revela a verdade, e o final do filme substitui a questão de “como coexistir entre seres humanos e IA” pelo enredo conservador de “uma carta de amor de um programador”, que é suficientemente reconhecível pelo público em geral. O final do filme substitui a questão ética de “Como os seres humanos e as IAs podem viver juntos? Metaverso O que mais chama a atenção em Free Guy não é a IA ou o jogo, mas uma nova visão de mundo. Uma das falas de Free Guy é uma boa ilustração de como as pessoas imaginam o “metaverso”: “Você pode fazer qualquer coisa aqui, pode ir a qualquer lugar. Você pode esquiar do topo da pirâmide, pode escalar o Monte Everest com o Batman ……”. No futuro, não apenas os jogos, mas também as redes sociais, a educação, a vida, o trabalho e outros setores poderão ser incorporados a esse meta-universo de alta fidelidade do mundo real e imaginário por meio de VR/AR/XR. Com a explosão dos NFTs (Tokens Não Fungíveis), não há nenhum obstáculo para entrar nesse mundo em nível técnico, apenas aguardando a chegada da singularidade. Atualmente, os jogos são uma das faixas mais capitalizadas do meta-universo. Os jogos precisam fornecer conteúdo de alta qualidade para aumentar a atração do usuário, especialmente os jogos de RPG … Ler mais

Duna: vagando além do vidro

7 de novembro de 2023 Por maria

Que as areias douradas varram o planeta, que as dunas que parecem estar respirando revelem a natureza selvagem e a fé simples; que as especiarias encham as narinas, dêem nome à matança, ao destino, à coroa do herói. Duna é um filme que se limita a um invólucro clássico, mas com um olhar voltado para a desconstrução e a subversão. Na forma de uma narrativa da vingança de um príncipe que soa como Shakespeare, ele elimina a vingança homoerótica e discute a hipocrisia do herói, a futilidade da fé e as chamas selvagens que ardem profundamente no invólucro humano e até mesmo na alma. O Youcine é uma plataforma de streaming que redefine a experiência de assistir a filmes, oferecendo opções mais interativas, sociais e personalizadas para os amantes do cinema. Seja você um novato ou um fã experiente, o Youcine será um companheiro indispensável para levá-lo ao incrível mundo do cinema. Como uma das melhores obras de ficção científica do século XX, o Duna original é um império extenso e volumoso de texto, e a terceira produção cinematográfica e televisiva de Duna, dirigida por Denis Villeneuve, avança apenas um décimo do texto original, mas possui um tom distinto, com uma combinação única de o amarrado e o nu, e o amarrado e o nu. Por meio da unidade paradoxal do “amarrado” e do “nu”, ele completa a autoexecução da lógica. Não se trata apenas de um poema épico, mas também levanta a questão de os seres humanos tocarem as próprias barreiras e explorarem o caminho futuro depois de se depararem com elas e lutarem contra elas na vidraria. Desintegração e criação – A quebra e a criação do herói Duna foi resumido como uma pintura ou um épico por vários artigos críticos, atribuídos à sua magnífica composição de imagens, longas passagens de paisagens aéreas e tom emocional distinto. O espectador pode perceber diretamente as contradições da paisagem: o deserto brilhante e apaixonante e a tundra fria e úmida mostram a estagnação do calor e do frio, a lei misteriosa e selvagem da sobrevivência no deserto e a luta política feudal solene e solene destacam a extrema arbitrariedade e a extrema opressão. Esse é um tipo de nudez e escravidão ocultas, aludindo ao fato de que se trata de uma disputa decorrente da ruptura e do estabelecimento, da ruptura e da reconstrução do delicado equilíbrio da Aliança Interestelar e da metamorfose de romper o gargalo e avançar em direção a uma nova ordem depois que a antiga ordem chegou ao auge do desenvolvimento. Dez mil anos após o cenário, as ciências sociais estão altamente desenvolvidas e lutando para avançar, e a sociedade extremamente orientada para o lucro não está disposta a arcar com o alto custo de uma transformação suave. Para romper a barreira da estagnação o mais rápido possível, é preciso uma ditadura e uma mão de ferro, assim como a fissão e o desencadeamento de uma explosão nuclear. Trata-se de uma varredura maciça, o que significa derramamento de sangue, o que significa um trauma coletivo que não pode ser sustentado. As coletividades são formadas pelo vínculo dos indivíduos, e o sacrifício de um grande número de indivíduos sem motivo seria como amputar um membro, o que colocaria tudo em suspenso, então os governantes de Duna optaram pelo caminho mais fácil e criaram um herói – e esse herói é o personagem principal, Paul Eldredi. O diretor da lógica rasa se espalhou diante da plateia: Paul é a história de um enorme relacionamento entre o ponto central, o enredo montado e desdobrado para enriquecer os elementos de seu corpo: príncipe oprimido, ombros a glória da decadência da família e os inimigos do mundo da perseguição; destino escolhido, durante todo o caminho difícil e perigoso, há sempre um nobre para ajudar. Com pontos de crescimento claros e uma alta inclinação para cima, esse é um processo clássico e perfeito de apoteose, mas é extremamente esculpido: para reforçar a mentalidade do público, todos os Fremen do filme precisam chamar Paul de Lisson Al Ghaziab (a voz dos céus) na primeira vez que o encontram, o que é mais uma espécie de hipnose do que um elogio, mas quando a hipnose se torna arraigada, ela se torna uma espécie de convocação. Paul é claramente um herói artificial, e essa é, de longe, a linha emocional mais óbvia que Duna exibe em seu herói, proclamando descaradamente que o herói é uma pseudoproposição sem uma definição clara. Ele é convocado para se tornar um herói em um processo de hipnose e auto-hipnose em massa e, no momento em que se torna um herói, anuncia sua desintegração. Esse paradoxo com a compaixão é a estética única de Duna, uma espécie de totem da alma que atravessa a narrativa. Um herói pode ser como uma cólera, mas só podemos beber a cicuta – no torpor e na rigidez da opressão, precisamos mudar de personagem, precisamos dele. Na visão de mundo de Duna, talvez apenas os heróis destruídos não tenham perdido seu significado. Quando tudo começou, o Duque Leto reuniu suas legiões para deixar seu planeta natal, os fiordes e a tundra tão profundos quanto suas testas, para aproveitar o poder do deserto. Nessa despedida, que era quase eterna, todos os sargentos ergueram suas gargantas e gritaram “Ertredi”, e como o pathos de uma elegia de longa duração, invocando a glória que estava para passar, ressoou na Duna e não travessia – a presença e a ausência da fé Duna” tem um temperamento suave de ficção científica, e a estrutura da visão de mundo tem uma forte tendência retrô com uma forte preocupação humanista. Por exemplo, o palácio de pedra da era da Guerra Fria parece um vasto mausoléu sob a perspectiva de uma máquina voadora; outro exemplo é a forma política feudal e hereditária, em que é fácil ver as cicatrizes escuras deixadas pela suspeita mútua e pelas brigas na onda da globalização e da antiglobalização; e outro exemplo é a misteriosa organização das Irmãs … Ler mais

Avatar: a melhor experiência visual

7 de novembro de 20234 de novembro de 2023 Por maria

Uma representação perfeita da ficção científica animada para a era estereoscópica James Cameron estabeleceu um impressionante recorde de bilheteria com Titanic, que o diretor peso-pesado de Hollywood realizou e ganhou 11 Oscars em 1997. Avatar, um filme de ficção científica dirigido por James Cameron, é tão clássico quanto Titanic, um filme que levou 14 anos para ser feito, com um enorme investimento de US$ 500 milhões e quatro anos para ser concluído. O filme usa técnicas de pintura para criar arte visual em todo o tema, de modo a perceber o valor artístico da obra, a combinação perfeita de ficção científica e animação, as lentes e a imagem são lindas, e pode ser chamado de clássico. A obra-prima cinematográfica Avatar é considerada um trabalho marcante na história do cinema, que não só tem um impacto profundo no processo de produção de filmes, mas também expande ainda mais o escopo da expressão cinematográfica. Onde posso assistir a Avatar? Baixe o apk do Youcine. A Era do Cinema Estereoscópico e a Comunicação Visual da Tecnologia 3D O filme apresenta a ideia principal da criação cinematográfica por meio de 160 minutos de apresentação estereoscópica, e o uso puro da tecnologia 3D apresenta ao público o estranho mundo de Pandora, que é uma conquista ousada e bem-sucedida da comunicação visual na criação cinematográfica. É uma tentativa ousada e bem-sucedida de comunicação visual na criação de um filme. A história principal de Avatar é que, em um futuro distante, os seres humanos na Terra combinarão seres humanos e povos indígenas “nativos americanos” para clonar em “Avatar” por meio de tecnologia genética, a fim de ir ao planeta Pandora para mineração e iniciar o “Projeto Avatar” para criar o “Avatar”. O “Projeto Avatar” é lançado. Pandora é um planeta que não só tem árvores de 900 pés de altura, mas também tem um minério raro que vale US$ 20 milhões por quilograma. O Avatar clonado, com quase três metros de altura e controlado por mentes humanas, é um homem da Marinha fisicamente paralisado chamado Jack, que foi combinado com um “Na’vi”. Após a clonagem, Jack se disfarçou de “Avatar”, com seu próprio gene Naomi no interior do Naomi, o valioso minério Naomi foi roubado de volta para a Terra. Jack pensou que estava apenas cumprindo ordens, mas depois de chegar a Pandora, ele mergulhou em uma beleza onírica. Por acaso, Jack conheceu e se familiarizou com a Naomi, Neytiri. Em Neytiri, ele aprendeu gradualmente as qualidades simples e gentis do povo Naomi; ao mesmo tempo, começou a refletir sobre o comportamento ganancioso do povo da Terra e percebeu que seus próprios comportamentos significavam um sequestro para o Planeta Pandora …… Avatar. Avatar: a unidade perfeita de tema de ficção científica e efeito de animação O tema de ficção científica do filme Avatar é apresentado por meio da tecnologia de animação 3D, e a combinação eficaz dos dois mostra ao público um belo mundo em um planeta estranho. A Pandora do filme não está apenas repleta de plantas brilhantes e sonhadoras, mas também de elfos transparentes e até mesmo de vegetação florestal que brilha estranhamente na escuridão da noite. O tema do filme é repleto de preocupações, perguntas e reflexões sobre o destino da humanidade. Isso fica evidente na escolha do personagem principal. O personagem principal, Jack, era originalmente um ex-soldado naval com deficiência física. Por meio da deficiência de Jack e do propósito de vir a Pandora, o filme dá a entender que os seres humanos não apenas destruíram a si mesmos, mas também começaram a destruir um mundo tão maravilhoso como Pandora ao mesmo tempo em que se destruíam. O processo pelo qual a própria humanidade está avançando torna-se, de fato, o processo de destruir e despedaçar o mundo e tudo o que há de bom nele. Outra coisa maravilhosa sobre Pandora é que todas as criaturas do planeta são uma só e podem se comunicar umas com as outras por meio de um vínculo neural em suas cabeças. Em contraste com essa comunicação integrada, a raça humana é indiferente e feia. A interpretação que os seres humanos fazem de Pandora, com sua própria maneira de pensar, torna-se tão pálida e impotente. Portanto, o personagem principal, Jack, prefere sua identidade como “avatar” a retornar ao próprio Jack, por meio do qual ele realiza a purificação de sua mente e alma e salva o planeta Pandora com seus próprios esforços. Então, como esses temas são apresentados? O uso de efeitos especiais em filmes geralmente começa com personagens, planos de fundo, cores, formas, etc. Os efeitos de animação também são um dos meios de efeitos especiais em filmes. O filme Avatar faz uso total da percepção básica de beleza e feiura, e a árvore da alma foi projetada para flutuar na animação, proporcionando às pessoas uma sensação visual de beleza e saudade. A cor é outro meio de expressar as emoções humanas; alegria, raiva, tristeza e felicidade podem ser vistas por meio da conversão entre cores diferentes. Interpretação do tema: ideais humanos e pertencimento espiritual A pilhagem e a destruição de Pandora, da terra natal dos Na’vi e de suas vidas por terráqueos armados até os dentes com alta tecnologia em Avatar não são caprichos de escritores e diretores de Hollywood, mas uma metáfora de séculos de história colonial ocidental. Também não é uma associação crua dizer que os Na’vi são os índios do passado, os povos nativos da América do Sul e da África, ou mesmo os chineses na época das Forças Aliadas das Oito Potências. Mas se Avatar expressasse apenas um tema anticolonialista tão pouco inspirado, obviamente decepcionaria a muitos. Felizmente, o charme incomum do filme é gerado pela aparição inesperada de seu protagonista, Jake Sully. Como ex-fuzileiro naval paralisado, Jack quase parece um “fraco”, mas quando recebe a tarefa de substituir o irmão, ele assume o papel de avatar e invade um acampamento Na’vi, onde aprende sobre habilidades de sobrevivência e se apaixona pela filha do líder da tribo. No processo de aprender … Ler mais

O Pacto, de Guy Ritchie mergulha você na guerra entre EUA e Afeganistão

1 de novembro de 2023 Por maria

O que Guy Ritchie realmente queria fazer A resposta curta é que muitos espectadores acham que se trata de um filme americano melodramático que lava as mãos sobre a guerra dos EUA no Afeganistão. Além disso, alguns começaram a questionar se a reputação de Guy Ritchie foi simplesmente em vão depois de todos esses anos, e se Two Smoking Guns provavelmente não será um filme brilhante. A diversidade do lado da TV do Youcine, que atende a diferentes espectadores, faz do Youcine uma plataforma de entretenimento mais abrangente. Os usuários poderão encontrar no Youcine conteúdo familiar, infantil e esportivo que lhes agrade, aprimorando ainda mais sua experiência de entretenimento. A infinidade de vozes confusas resume tudo: não entender. Não entendendo por que Guy Ritchie, que é renomado e há muito tempo é tido em alta conta pelos fãs de cinema, arruinaria sua reputação fazendo uma história dessas? O Pacto, de Guy Ritchie, é uma continuação da história favorita de Guy Ritchie com dois protagonistas masculinos. Um deles é John, um soldado americano enviado ao Afeganistão para participar de operações militares. O outro é Ahmad, um afegão que não concorda com o governo do Talibã e se voluntaria para trabalhar como intérprete para o exército americano. O esquadrão de reconhecimento liderado por John é quase totalmente morto em uma emboscada contra os afegãos. Ahmad, o único remanescente de todo o esquadrão, lutou para escapar da zona de perigo arrastando consigo um John inconsciente, preservando a vida de John. Pouco tempo depois, ao retornar do Afeganistão para os Estados Unidos e voltar para sua família, John é lembrado por um amigo e percebe que seu amigo Ahmad ainda foi deixado para trás no Afeganistão. E é provável que ele seja perseguido pelo Talibã por seu papel como tradutor. A implicação de O Pacto, de Guy Ritchie, parece ser que os militares dos EUA intervieram na situação do Afeganistão para salvar o povo afegão do Talibã. Mesmo que, no final, o Afeganistão continue uma bagunça, acredite que o lado americano ainda estará disposto, por sentimento e moralidade, a fazer o que é mostrado nesse filme. . para trazer de volta nossos irmãos afegãos que ajudaram os militares dos EUA. Ou seja, quando estamos fora dos Estados Unidos e vemos esse filme de um ponto de vista de terceiros, ele parece um melodrama no estilo americano que reflete a glória dos Estados Unidos como o salvador dos “traidores afegãos” resgatados pelos Estados Unidos. Então Guy Ritchie estava realmente confuso e fez um filme que era uma lavagem forçada, ou ele tinha outra coisa em mente – com a aura de um diretor famoso, não podemos deixar de desconfiar um pouco das verdadeiras intenções de Guy Ritchie. Em primeiro lugar, do ponto de vista do marketing, há motivos para acreditar que Guy Ritchie não é tão estúpido assim. Jogo político complexo e desonesto O primeiro ponto de partida é, obviamente, a motivação de Ahmed para ajudar as forças americanas, que é uma das motivações mais óbvias do personagem, na qual a primeira metade do filme se concentra. Ahmad se voluntaria para ser intérprete porque um de seus filhos foi morto pelo Talibã. Para ele, as forças americanas podem não ser justas, mas o ódio e o conflito entre o Talibã e ele são definitivos. Isso também leva ao fato de que não é fácil substituir O Pacto, de Guy Ritchie, em nosso contexto familiar e examinar e entender a relação entre Ahmad e os militares americanos com uma visão puramente nacionalista. Para alguém como Ahmed, o Talibã não equivale exatamente a um símbolo de nação e estado, mas, em vez disso, é provável que tenha um ódio maior. Por outro lado, o exército dos EUA também prometeu a Ahmad que ele receberia um visto para deixar o Afeganistão com sua família. Em outras palavras, foram o ódio e o lucro que motivaram a decisão de Ahmad – um motivo bastante plausível, de fato. Mas, ao mesmo tempo, Guy Ritchie também mostra a complexidade e a sutileza da identidade de Ahmad – nem todos os afegãos compartilham dos mesmos pontos de vista, portanto, Ahmad é naturalmente um “traidor” aos olhos de alguns. Por exemplo, na primeira metade do filme, um afegão local, que foi forçado a confessar pelo exército dos EUA, chegou a ameaçar matar a família Ahmad. A segunda é a atitude do exército dos EUA apresentada por Guy Ritchie. O exército americano acabou não cumprindo sua promessa com Ahmad como prometido. Ele não só foi tratado como uma pessoa perigosa pelo exército americano depois que salvou John, mas também foi deixado para trás no Afeganistão, e o chamado visto se tornou um pedaço de papel e não foi mais mencionado pelo exército americano. Mesmo quando John questionou os militares sobre a situação atual de Ahmad após seu retorno, os militares repetidamente deram de ombros e evitaram o assunto – a última coisa que o departamento de imigração precisa é de motivos e procedimentos para negar vistos. Deve-se observar que, como nativo do Afeganistão, Ahmad optou por trabalhar com os militares dos EUA e, embora tenha sido de fato uma troca de benefícios por necessidade, ele certamente correu um grande risco. Torna-se cada vez mais evidente a inconsciência das ações do exército dos EUA. O Pacto, de Guy Ritchie conotações O que é particularmente memorável é que, depois que John consegue resgatar Ahmed, o filme O Pacto, de Guy Ritchie, acaba dando este subtítulo: No Afeganistão, mais de 300 intérpretes e suas famílias foram mortos pelo Talibã por cooperarem com os militares dos EUA, e outros milhares ainda estão escondidos. A implicação é que, embora o resgate de Ahmad seja mais uma prova do sucesso do heroísmo americano, para todo o esforço de guerra afegão, essa pequena vitória é apenas um acidente dos acidentes, um acidente do acaso. Muitos outros ahmadis ainda enfrentam ameaças às suas vidas, e são os traiçoeiros e descartáveis militares americanos que estão causando essa miséria, criando uma grande bagunça … Ler mais

O Lado Cego: a bondade é o primeiro talento

31 de outubro de 2023 Por maria

O Lado Cego é um filme biográfico muito inspirador sobre o esporte, e eu realmente recomendo que você assista a esse filme – O Lado Cego – por sua impressionante interpretação da coragem e da bondade da natureza humana! Começando pela bondade Quer assistir a O Lado Cego, mas não consegue encontrar os recursos? Não se preocupe! Basta fazer o download do Youcine e desfrutar de uma grande variedade de filmes, atualizados diariamente por nossa equipe de profissionais. O Youcine tem uma equipe de profissionais que atualiza novos filmes todos os dias, e temos o compromisso de oferecer aos nossos espectadores a melhor experiência cinematográfica possível. No filme O Lado Cego, a atenção da elite de classe alta Sra. Tausi para com Michael começa quando Michael foge de sua família adotiva e perambula pelas ruas sozinho em uma noite fria, querendo ir para o ginásio da escola para passar a noite só porque o aquecedor está ligado (talvez porque, depois de sofrer vários desgostos de sua família adotiva, ele tenha desenvolvido um ponto cego de proteção excessivamente defensiva e desconfiança dos outros). A essa altura, Michael está desamparado, incerto, fechado por dentro e na defensiva, e é por isso que ele ainda parece frio, indiferente e até um pouco burro em sua idade quase adulta, quando seu nível de energia interior deve estar muito baixo. E, nesse momento, o desempenho do filho mais novo de Tausi, Sean, pode ser um grande contraste! O Lado Cego em Sean, em uma idade jovem, mostrou uma autoconfiança rara, animada e adorável, lógica e eloquente, como uma criança criada por uma família americana branca e rica, o brilho do sol, a autoconfiança, a positividade e até mesmo a bondade de seu corpo mostram o excelente cultivo da família! Esse é o ponto que Michael, com essa origem, jamais poderá alcançar. Mas o que isso importa, todo mundo tem seu tempo e sua oportunidade, quando a autoconfiança, o otimismo, a positividade …… inflamados pelo calor, pela bondade e pelo amor podem criar um milagre após o outro, como Michael, da família Tausch, inflamado pelo amor e pela inspiração para encontrar seu próprio talento no jogador profissional de rúgbi, para se tornar um jogador profissional de rúgbi. Eventualmente, enfrentando as adversidades para entrar na prestigiosa Universidade do Mississippi, sendo introduzido no Hall da Fama e tornando-se um herói para todos! Mas hoje não estamos falando de uma história de adversidade, estamos falando das coisas que nos tornam humanos, como bondade e coragem! Despertado pela coragem Não há dúvida de que a Sra. Tuohy é a personificação perfeita dessas duas palavras em O Lado Cego. Desde o momento em que leva Michael para passar a noite em casa, em um ato corajoso de bondade, ela descobre e protege a bondade de Michael, dando-lhe o aconchego de um lar. Seja por compaixão ou por ter sido tocada pela bondade de Michael, a coragem e a secura que Tausi demonstra no processo de proteger e cuidar de Michael repetidas vezes inspira a todos, a começar pelos membros de sua família, um a um, cuja coragem extraordinária é despertada. Michael também sentiu o calor de todos os membros dessa família, a coragem e o amor começaram a fluir, e Michael gradualmente passou a ter uma energia e atitude positivas, ativas e felizes em relação à vida. Seu amor pela família se reflete no campo, protegendo seus colegas de equipe da melhor forma possível (neste ponto, devo mencionar que a Sra. Tuohy é realmente uma mestre da educação, comparando a proteção de Michael à sua família com impedir que o inimigo ataque e marque pontos), e seu talento está sendo pouco a pouco explorado, sua coragem está sendo gradualmente acesa e sua vida está gradualmente começando a ficar completa. Temas do filme O Lado Cego O filme O Lado Cego termina com o comissário de aplicação da lei da Associação Atlética Universitária perguntando agressivamente a Michael: “Você escolheu Ole Miss por sua própria escolha ou pelo projeto cuidadoso da família Tuohy?” Por um momento, Michael fica em um estado de ilusão de que ele pode ter caído como um peão da família Tuohy. Ele retorna ao bairro negro de Tennessee, onde cresceu, e se senta com os bandidos locais, onde os ouve questionar e denegrir a família Tuohy, alimentando o desafio e a proteção de Michael, bem como sua forte identificação com a família como um “membro da família”. Quando a Sra. Tuohy a encontrou após a grande briga, ele perguntou a Tuohy: “Vocês me mandaram para a Ole Miss por mim ou por vocês?” Tuohy respondeu: “Filho, você pode escolher a escola que quiser, você toma suas próprias decisões, é a sua vida”. Os dois se olharam e sorriram. Foi a inspiração da mãe para o filho, foi o AMOR INCONDICIONAL e a BONDADE que vieram do coração dela que ajudaram esse filho a começar sua própria vida plena depois de conquistar sua autoidentidade, embora não fossem parentes um do outro pelo sangue, e até mesmo tivessem uma grande diferença em suas raças, origens e assim por diante! No entanto, no final, quando Michael mais uma vez voltou calmamente à mesa de diálogo com o comissário de aplicação da lei da associação esportiva e perguntou: Por que você só me perguntou se ir para a Universidade do Mississippi era um projeto deliberado da família Tuohy, mas nunca me perguntou por que eu queria ir para aquela universidade? Apontar diretamente que o outro cara também está sendo excessivamente defensivo por racismo, e a resposta que ele finalmente dá, eleva o filme a um nível de cordialidade familiar. Uma exploração dos valores familiares Para citar o comentário de um crítico sobre O Lado Cego, “Todo mundo tem suas próprias fraquezas, mas, ao mesmo tempo, essas fraquezas são as coisas que mais valorizamos e queremos proteger. Por meio da história, o filme quer nos fazer apreciar os aspectos menores, mas mais emocionantes, da família e da natureza humana, descobrir nossas fraquezas e … Ler mais

Anatomia de Uma Queda: Um Mistério de Sobrevivência

27 de outubro de 2023 Por maria

Anatomia de Uma Queda: Sandra, uma alemã, e Samuel, um francês, ambos romancistas, vivem há um ano nas remotas montanhas da França com seu filho Daniel, deficiente visual, e a família se comunica e conversa em inglês diariamente. De repente, um dia, o marido Samuel morre do lado de fora da casa. Em circunstâncias incertas, sua esposa Sandra é acusada de suspeita de assassinato. YouCine, não importa se você está assistindo a um ótimo filme, acompanhando a última temporada de um drama ou assistindo a uma partida de futebol de alto nível.O YouCine tem tudo, com uma extensa biblioteca de conteúdo que abrange uma grande variedade de gêneros e gostos. Anatomia de Uma Queda: Um Mistério de Sobrevivência O filme Anatomia De Uma Queda consiste quase que inteiramente em conversas, com a visita da estudante no início, uma longa audiência no tribunal, intercalada com trocas de ideias (conversas de Sandra com seu filho, narrando o caso com seu amigo advogado). Ultimamente, tenho feito uma longa entrevista e estou particularmente sensível ao ímpeto da conversa, à qualidade do conteúdo e à autopolimento do orador. Os talkies também são meu gênero favorito do cinema europeu. O filme Anatomia De Uma Queda se baseia no suspense do mistério da morte para atrair o espectador para uma dissecação em camadas do casamento e, se você for sensível o suficiente, descobrirá que a história é menos sobre o casamento do que sobre apontar fundamentalmente para a existência humana. O diálogo denso revela a riqueza de questões como: como administrar a “sobrevivência”, como definir o sucesso, como lidar com a baixa autoestima e o fracasso, como provar a si mesmo para os outros e em quem acreditar quando a própria narrativa é diferente da dos outros? Anatomia de Uma Queda: Diálogo e Julgamento É claro que, em geral, podemos dizer, de forma bem visível, que não precisamos provar aos outros se estamos vivendo bem ou não. Mas este filme foi concebido como um julgamento em que temos de provar a nós mesmos, e Sandra, se não conseguir provar seus sentimentos por Samuel, terá de assumir a culpa pela perda da vida de Samuel – quer ela o tenha empurrado ou ele tenha pulado por conta própria. A primeira será condenada pelo tribunal, e a segunda terá de enfrentar o julgamento de seu filho de 11 anos. A prova mais importante no tribunal é uma gravação clandestina da discussão de Samuel com Sandra no dia anterior à sua morte. A gravação revela que Sandra estava tendo relações sexuais extraconjugais e que ela se referiu ao esboço do romance não escrito de Samuel para seu próprio livro; Samuel reclamou que o fluxo da vida diária da família foi projetado com ela em mente e que ele havia desistido de lecionar e escrever para assumir a culpa pelo acidente do filho e voltar para casa para cuidar do filho, que havia perdido a visão. Os dois discutem sobre quem deve a quem, Sandra bate em Samuel, e Samuel bate a mão na parede para descarregar sua raiva. Essa gravação que mostra o casamento inteiro é considerada o clímax do filme, mas a interpretação em torno dela é fundamental. O lado do queixoso e o psiquiatra deduzem que Sandra é responsável pelos sentimentos de mágoa, fracasso e, talvez, pela eventual perda da vida de Samuel; e Sandra insiste em esclarecer uma coisa, a saber, que a causa principal da mágoa de Samuel em relação ao sexo extraconjugal de sua esposa, sua culpa em relação ao filho e sua frustração por não conseguir escrever se deve ao fato de que ele perdeu seu sistema de sobrevivência e não consegue suportar a projeção da vergonha do fracasso. projeção da vergonha do fracasso. O que é fascinante nos filmes franceses sobre casamentos e casais é que eles não se referem às penas de galinha no chão, mas ao discernimento e à transcendência que podem ser enrolados neles e extraídos deles. Outro filme que me emocionou e mostrou a vida conjugal de casais literários foi “Os Adelman”. Na superfície, o filme trata do jogo das relações de gênero, mas, no fundo, os franceses não se importam com isso, e não há feminismo como os chineses pensam, então o filme volta ao “humano” em si, sem rótulos, sem brincar com conceitos, sem discutir problemas, e só se preocupa em como O filme volta ao “ser humano” em si, sem rótulos, sem conceitos, sem discutir problemas, e se preocupa apenas em como deixar os protagonistas masculinos e femininos viverem suas vidas livremente. Reflexões profundas sobre sobrevivência Uma mulher de quarenta ou cinquenta anos diz: Nós, mulheres, mesmo que não possamos mudar a sociedade, podemos pelo menos mudar nossas famílias. …… Elas raramente se dedicam às tarefas domésticas, exceto para trabalhar. Vou ser franco: além de fornecer um tubo de esperma, com o que mais elas contribuem? Estabeleci duas pequenas metas para mim mesma: uma é nunca mais lavar as roupas íntimas do meu marido, ele tem que fazer essas coisas imbecis sozinho. A segunda é que vou tomar de volta a vaga de estacionamento que ele ocupou. Todos os esforços para romper com a estrutura social merecem aplausos. Mas, às vezes, eu me pergunto: como uma pessoa concreta, seu “inimigo” são as pessoas ao seu redor ou é sua incapacidade de ser independente? Transcendendo a imagem rotulada das mulheres Descobri que muitas disputas na vida são geralmente causadas por estar na posição oposta e fazer as perguntas erradas, como a esfera pública não ousar criticar a sociedade e a esfera privada não ser capaz de se transformar (a realidade oposta é que a esfera pública faz o possível para se transformar a fim de se adaptar à sociedad. mas reclama privadamente que a sociedade falha com ela), ou, por exemplo, um homem se posiciona do ângulo de disciplinar uma mulher, e uma mulher se posiciona do ângulo de exigir poder de um homem, e a disciplina e a luta nascem inevitavelmente juntas e não têm … Ler mais